JOHANSSON & JANSSON AB 2021年 softcover in an envelope 48ページ 240 x 170 mm ※350部限定 - 内容紹介 - スウェーデン人フォトグラファー、ゲリー・ヨハンソン（Gerry Johansson）の作品集。本書はヴェネツィア建築大学（IUAV）の建築美術館とスウェーデンのアートギャラリー「Kulturcentrum Ronneby Konsthall」との共同プロジェクトに伴い刊行された。 本プロジェクトは一度2016年と2017年に完成し、「Kulturcentrum Ronneby Konsthall」で展示されている。撮影場所は古代のムードと現代の遺物とが共存し、作者にとってとても興味深いものであった。何年もかけてそこへ何度も戻り、多くの写真が撮られた。本作に収録されたものは2016年から2021年までの間に撮影されたもの。 「スウェーデンの南東部に位置する地方、ヨハニシュスには時間の隙間がある。そこのエスカー（※註）自体は1万6,000年前の最終氷河期の終わりに形成された。尾根に沿う多くの墓地は、牧歌的な風景や古いオークの木と相まって、なにか特殊な雰囲気を醸し出している。ここ数年の間、考古学的に発掘調査がなされたことにより、スウェーデン南部、ヨハニシュス荘園の北に位置するブレーキンゲのヴェストラ・ヴァンで大きな集落が発見された。約2,000年前に生まれ、11世紀まで繁栄していたその集落は、丘を囲むようにして在る。その頂上で、鉄器時代のものとされる驚くべき発見があった。銅製の大きな釜、武器、銀や金のコイン。中でも目立っていたのが、人の形が掘られたをした「guldgubbar」であった。女性や男性を模した描写は切手よりも小さく、この地で作られたものであった。」－ ビョルン・ニルソン（考古学者 / 序文より） ※註 かつて氷河氷の下を流れ出た融解水によって運搬された砂や礫が堆積してできた、蛇行した堤防状の地形

MACK 2021年 ハードカバー 32ページ 175 x 230 - 内容紹介 - フランス人フォトグラファー、グレゴワール・プジャド・ロレイン（Grégoire Pujade-Lauraine）の作品集。意味不明な記号、秘密の通路、幽霊が出そうな建物などが多く詰まった小さな世界を描いた一冊。西洋の巨大都市の周辺部を探索して撮影された作者の写真は、人間が暮らし、その生活を形作っている建造環境（built environment）をつぶさに見つめ、表面に刻まれた、あるいは影の一部になっている秘密の記号を明るみに出す。どこか不気味な雰囲気が漂う形は簡単に分類されることを拒み、大きすぎる鍵、黒いコンクリートの月、無限に広がる神殿の幻影など、謎めいた暗号がいつまでも消えない薄闇から時折浮かび上がってくる。 一見すると都市環境のありふれたディテールを捉えただけのようにも思えるイメージを一度に眺めてみると、組み合わせることで初めて意味が呼び覚まされるタロットカードのような終わりのない寓意となっている。本書には、ある1つの奇妙な世界が提示されている。そこでは、世界を慎重に作り上げてきた人間の意思とは無関係に不可解な事物が立ち現れ、良く知っているはずの環境の表面に曖昧な秘密がまとわりついていることがほのめかされている。 「1枚1枚の写真は見過ごされた都市環境の平凡な部分をただ写し出しているようにも見えるが、これらを合わせると、建物がどのようにして社会を反映し形作っているかについての物語が立ち現れてくる」 ―ICON Magazine 「プジャド＝ロレインは人の手による環境を研究し、結末のない寓話を明らかにするために隠された意味を持つ記号を探している」 ―Aesthetica 「プジャド＝ロレインは、都市のあらゆるところに存在している奇妙なモダニスト的な構造を指し示し続ける。ミニマリストの彫刻やブルータリズムのコンクリートの塊が渦を巻き、私達を取り囲む」 ―photo-eye

WALTHER KÖNIG 2020年 ソフトカバー 88ページ 230 x 300 mm - 内容紹介 - アメリカ人フォトグラファー、ルイス・ボルツ（Lewis Baltz）とアメリカ人アーティスト、ソル・ルウィット（Sol LeWitt）の作品集。ドイツのギャラリー「Gallery Thomas Zander」で開催された同名展覧会では、引き算的な視覚言語を有した両アーティストの作品が引き合わされ、それぞれの作品構造と空間の扱い方の対比がなされた。ボルツは、美術の文脈における他の媒体と同じようなコンセプト性を写真が持ちうることを証明し、1960年代後半から70年代にかけて制作した革新的な連作を通じ、ポスト工業社会におけるエピフェノメナ（随伴現象）として様々な土地を記録した。一方ルウィットは、1960年代以降、コンセプチュアルアートの先駆者のひとりとして現代美術とは何かを定義してきた。「Serial Project」（1967）の開けた立方体構造、そして大きすぎるその形式が目を引く「Black Cubes」（2000）は、無機能性を際立たせるとともに、それらの物体は空間に確かな存在感を持って鎮座している。ギャラリー創設者兼オーナー、トーマス・ザンダー（Thomas Zander）が編集を務めどう展覧会開催に際して刊行された。 by Lewis Baltz , Sol LeWitt

LOOSE JOINTS 2021年 ソフトカバー 152ページ 240 x 295 mm - 内容紹介 - イギリス人フォトグラファーであり映像作家のクロエ・デュー・マシューズ（Chloe Dewe Mathews）による作品集。古くからの信仰であるペイガニズム（※註）の祭礼から現代生活に見られる儀式まで、刻々と変化する人と水との関係性をテーマにした一冊。作者は、水たまりのような源流から大規模なエスチュアリー（三角江）を形成している河口まで、テムズ川に沿って何度も旅をし、撮影に5年を費やした。河口近くのティルベリーを通過する船を記録し続けるシップスポッター、ローマ時代やサクソン時代の財宝を求めてロンドンの泥地を漁るマッドラークなど、誰に注目されることなくこの川と関わって生きる人々に焦点を当てる。潮の満ち引きによって1日2回違った顔を見せる河口から離れると、若々しいテムズ川が緑に覆われた田園地帯を穏やかに流れている。ここで作者は、ネオペイガニズムの儀式を行う人や奇妙な小舟を作る人、女王の鳥とされる白鳥を保護する人たちに出会う。決して1つに定まらない、流動的なアイデンティティを持つテムズ川は、オックスフォードで行われる船を燃やす儀式からサウスエンドの夕方の祈り、集団で行う洗礼式、10代の少年少女が参加する通過儀礼まで、上流から河口に至るまで途切れることなく行われている様々な儀式の主役になっている。世界の河川の中でも最も象徴的かつ詳細に記録されてきた川の1つであるにも関わらず、作者が撮るテムズ川は、この川自体を越えて、公私、大小様々な宗教的・非宗教的な儀式や、これらがどのようにして意味やアイデンティティを形成しているのかについて考えさせる。一部の人にとってテムズ川は、ヴォルガ川、コンゴ川、ガンジス川、アヘレオス川に思いをはせるための起点であり、その他の人にとっては、散骨を行う場所、この世を離れる最後の地点を意味している。作者は他の多くの作品と同様にこの作品においても、日常生活の不可解さや詩情に反して物事を分類するというドキュメンタリー写真の性質に向き合っている。蛇腹折で製本されたページの上をテムズの流れに沿って地理的に並べられたイメージには、様々な重要性を持つ出来事だけでなく、それぞれのGPS座標、日時、干潮、天気までもが記録されている。こうすることで作者は、川に沿って視覚的なデータを記録し収取するというプロセスを反映した、日常の人類学とも呼べる作品を作り上げた。またこのことを通じて、写真を撮るという個人的な儀式が進化していく様子も伝えている。詩情あふれるイメージに合理的な裏付けを与えることによって、作者は見る者を移り変わる川の流れに放り込み、沈め、グレーター・ロンドンとその周辺に広がる田園地帯の終わりなきストーリーをその多様性まで余すところなく表現した。本書は「Martin Parr Foundation」で2021年夏に開催される本作の展覧会開催に伴い、同財団とイギリスの出版社「LOOSE JOINTS」による共同出版の形で刊行された。 ※註 自然崇拝や多神教の信仰を広く包括して指し示す、印欧語圏における言葉。（Wikipediaより抜粋）

NAZRAELI PRESS 2017年 hardcover in a slipcase 56ページ 152 x 203 mm ※2,000部限定 - 内容紹介 - 「私たちはこの場所に生まれ、まるでへりに付着して増殖するフジツボのように都市がその城壁を越え郊外の方へ攻め寄るまで、都会の影響から逃れて近所の歩道や家の前庭ですくすくと育ち、そこで与えられたものを最高に活かして生きていた」― エド・テンプルトン 「自分たちが親しみと安心を感じる郊外の住宅地にいる、ということに気がついた。真っ暗で人の気配がしない、似たような形の家が建ち並ぶ団地をぶらつき、最後には歩道と車道に挟まれた長方形の草地に一緒に横たわり、日が昇るまで話をしながらじっと星を見上げていた」― ディアナ・テンプルトン アメリカ人プロスケーターでありアーティスト、フォトグラファーのエド・テンプルトン（Ed Templeton）と、同じくアメリカ人フォトグラファーのディアナ・テンプルトン（Deanna Templeton）夫妻の作品集。カリフォルニア州オレンジ郡の郊外、とりわけロサンゼルスを南下した突端にある海辺の町ハンティントンビーチでの暮らしを写した両者の黙想的な記録。かつてオレンジの木々や石油掘削地、富裕層の別荘が点在していたこの場所は、今や観光客に人気のビーチとなり、古いコテージの数々は背の高い3階建てのモダンな家に立て替えられてしまった。本書は、代々保守的なこの地域の人々や不満を抱いている若者たち、恵まれて（かつあまり恵まれずに）育った面々が、フェンス、壁、そして果てなく続くトラクトハウジング（※註）地区の向こう側から敢えて外へ出て行く様子を捉えている。同じ場所で大人になっていく過程を描いた2つの相反する短編小説を読むように、本書は、砂埃まみれで日焼けした今なお情熱的な南カルフォルニアの情景と、経済成長期であった21世紀初頭の現地を伝える。両作者はそれぞれの写真と言葉を蛇腹折りの製本を存分に生かし、片側にエド、もう片面にはディアナの作品をそれぞれレイアウト。NAZRAELI PRESSから刊行した作品集として、本書はエド・テンプルトンにとって2冊目、ディアナ・テンプルトンにおいては初めてとなる一冊。プラスチックのスリップケース入り。 ※註 似たような家が建ち並ぶ郊外の住宅地

MÖNCHEHAUS MUSEUM GOSLAR 2018年 ハードカバー 32ページ 250 x 177 mm - 内容紹介 - 現代美術界で重要な賞の一つである「ターナー賞」を2000年に受賞し、ロンドンとドイツを拠点として活動するドイツ人フォトグラファー、ヴォルフガング・ティルマンス（Wolfgang Tillmans）の作品集。功績を認められた現代美術家に贈呈される「カイザーリング（皇帝の指輪）」の受賞と、それを記念して2018年から2019年に渡ってメンヒェハウス近代美術館（ドイツ）で開催された展覧会に伴い刊行された一冊。 https://youtu.be/yHPVl5qCZHM

WALTHER KÖNIG 2020年 ハードカバー 120ページ 234 x 198 mm - 内容紹介 - アメリカ人フォトグラファー、ヘレン・レヴィット（Helen Levitt）の作品集。1965年に初版が刊行された傑作『A WAY OF SEEING』は、ピューリッツアー賞作家のジェームズ・エイジー (James Agee) のエッセイを共に収録。作者が存命のうちに2度増刷され、写真集の定番として高く評価されている。作者のネガやプリント管理をしていた元アシスタントのマーヴィン・ホシノ（Marvin Hoshino）による監修により本作はオリジナルの判型で復刊。初版に含まれていた50枚全ての写真に加え、同時期に撮影された新たな写真も収録。作者は1930〜40年代において、労働者階級が多く住むニューヨークの街で子供達の日常生活を写し、20年もの月日が経った後に初めて本書を刊行。そして彼らが成長してからかなりの時がたった今もなお、その圧倒的なリアリティーのある視点を我々に見せる。

MACK 2020年 ソフトカバー 448ページ 210 x 275 mm - 内容紹介 - ベルリンとロサンゼルスを拠点に活動するドイツ人アーティスト、トーマス・デマンド（Thomas Demand）の作品集。ベルギーの美術館「M Leuven」で2020年10月に開催された大規模個展に伴い刊行された。作者と建築との関係性、また15年間に渡る建築家たちとのコラボレーションに焦点を当てた1冊。本書の起点となる現在も継続中のシリーズ『Model Studies』では、「モデル」という概念そのものが重要な役割を持つ。また『Black Label』 （2009）、『Embassy』（2007）、『Nagelhaus』（2008）など、これまで展覧会で見る機会があまりなかったプロジェクトも多数収録。アダム・カルーソ（Adam Caruso / 建築家、チューリッヒ工科大学建築・建設学部教授）、マリステラ・キャシアトー（Maristella Casciato / ロサンゼルス・ゲッティ・リサーチ・インスティテュート建築部門キュレーター）、エミリー・ピュー（Emily Pugh / ロサンゼルス・ゲッティ・リサーチ・インスティテュート建築史家）、オードライン・デュリエール（Aude-Line Dulière / 建築家、ロンドン建築協会教授）、カレン・ファン・ゴッデンホーフェン（Karen Van Godtsenhoven / ニューヨーク・メトロポリタン美術館ファッション・インスティテュート準学芸員）、ヴァレリー・ヴェルハック（Valerie Verhack / M-ルーヴェン学芸員）らによるエッセイを収録。

APARTAMENTO 2020年 ハードカバー 88ページ 170 x 240 mm - 内容紹介 - メキシコ人建築家、アグスティン・エルナンデス（Agustín Hernández） の作品集。 「メキシコでは、独立戦争が終わって初めて先住民の芸術が返り咲いた。スペイン王室が撤退したことで、初めてメキシカンアート精神が長い間蔑ろにされてきた過去を振り返ることになり、その素晴らしさに驚嘆した。それ以来メキシコの画家や作家、建築家たちは自分たちの祖先の芸術にインスピレーションを求めるようになった。メキシコのモダニズムと壁画運動は、スペインによる征服以前の芸術と最先端の感性をブレンドすることによってメキシコという国家のアイデンティティを作り上げようとした。この大きな流れの支流からアグスティン・エルナンデス（Agustín Hernández）が登場したのである」 ―Tezontle Studio & Luis Orozco Madero インテリア雑誌「apartamento」が敬愛する建築家と彼らの建てた邸宅、その裏にあるストーリーに焦点を当てるシリーズの第四弾。1924年生まれの作者は、モダニスト的な考え方とメキシコの過去に対する誇りの回帰が融合した時期に円熟期を迎えた建築家である。コロンブスのアメリカ発見以前の文明の象徴、神話、都市計画の原理を組み合わせ、威風堂々たる建造物を作るという建築運動の先頭を切った。現代におけるマヤ族の儀式の場として設計した陸軍士官学校から、姉に依頼されて田舎に建てた蛇の象徴性をデザインに取り入れた瞑想センター、1975年に自らの為に建てたスタジオ兼自宅の『Praxis』まで、現代の視点から見ても前衛的な作品を多数残している。幾何学的なデザインのツリーハウスは、今もなおメキシコシティのボスケス・デ・ラス・ロマス地区に聳え立っている。本書に収められた写真は、アメリカ人フォトグラファー、ライアン・ローリー（Ryan Lowry）が撮り下ろし、メキシコのアート & 建築スタジオ「Tezontle Studio」とメキシコ人アーティスト、ルイス・オロスコ・マデロ（Luis Orozco Madero）、メキシコのギャラリー「TRAVESÍA CUATRO」のセールスディレクターでありキュレーターのカルロッタ・ペレス＝ジョフレ（Carlota Pérez-Jofre）、エンリケ・ヒネール・デ・ロス・リオス（Enrique Giner de los Ríos）が寄稿を寄せている。 by Agustín Hernández

Primary Information 2019年 ソフトカバー 36ページ 200 x 200 mm - 内容紹介 - コンセプチュアル・アートのパイオニアであるアメリカ人アーティスト、ソル・ルウィット（Sol LeWitt）の代表作のひとつ、 『Four Basic Kinds of Lines & Colour』 の復刻版にあたります。各見開きの左ページでは、4種類の線をすべての可能な組み合わせで実行する白黒のドローイングを、右ページには4色の組み合わせシステムのドローイングが収録されています。 ソル・ルウィットは後のアーティスト達に多大な影響を及ぼしており、HJ GALLERYにあるジョナサン・モンクの本棚を模した作品も、ソル・ルウィットへのオマージュとして製作されています。 3500部限定。

WALTHER KÖNIG 2020年 ハードカバー 316ページ 190 x 257 mm - 内容紹介 - メキシコ人アーティスト、ガブリエル・オロスコ（Gabriel Orozco）の作品集。作者が2017年から2019年の間にインドネシアのバリ島に滞在している期間に制作した様々な作品を収録。本書のデザインは、作者自身によって綿密に監修されており、バリ島出身の職人とのコラボレーションによって作られたドローイング、絵画、石灰岩の彫刻のイメージが豊富に描かれている。また作者の工房で撮影された多数の画像が掲載されており、制作におけるプロセスを伺うことができる。 An "Island Is A Circle" spans the various bodies of work Gabriel Orozco created whilst living in Bali, Indonesia (2017-2019). The book's design was closely overseen by the artist himself and is profusely illustrated with images of drawings, paintings and the limestone Dés sculptures made in collaboration with professional artisans in Bali. Uniquely, this new hardcover includes numerous images taken by Orozco at his workshop, giving the reader insight into his process.

Offizin Verlag 2004年 ソフトカバー ドイツ語, 英語 - 内容紹介 - コンセプチュアル・アートのパイオニアであるアメリカ人アーティスト、ソル・ルウィット（Sol LeWitt）の作品集。 本書ではオーストリアのグラーツ美術館のために製作した、140トンもの外壁様コンクリートを使用した作品を写真とグラフィックで紹介しています。 ソル・ルウィットは後のアーティスト達に多大な影響を及ぼしており、HJ GALLERYにあるジョナサン・モンクの本棚を模した作品も、ソル・ルウィットへのオマージュとして製作されています。

UITGEVERIJ THOTH 2021年 ソフトカバー 128ページ 200 x 245 mm - 内容紹介 - オランダ人建築家、デザイナーであるヘリット・リートフェルト（Gerrit Rietveld）の作品集。作者がデザインした家具から、最も有名かつ作者らしい作品を細部まで正確に記録した1冊。各作品の設計図、寸法、詳細なドローイング、材料リスト、組み立て手順、歴史的な情報が網羅されている。 1986年版から大幅に拡大された今回の新版では、新たに12点の家具が追加され、合計35点を収録。有名であるが複雑なキャビネット「buffet」（1919）など、原書にはない「ハイライト」に加え、自身が考案した「自分で作れる家具（furniture you can make yourself）」シリーズの一部など、それほど知られていない作品も追加されている。 本書の登場によって、かの有名な「レッド＆ブルーチェア」をはじめとする様々な椅子、サイドテーブル、本棚、子供用家具、ベンチ、ランプ、机、スタッキングキャビネットまでがDIYで制作できるようになった。 作者がデザインした家具を自分で組み立ててみると、最も小さな取っ手から完成品の彫刻的な質に至るまで、そのバランス、安定性、接合のワザ、組み立て順序を通じて、これらの家具を作った時と同じく、家具を作り、それを使い、鑑賞するという3つの行為が相互に関係していることを実感できる。 収録作品： レッド＆ブルーチェア（1918）、サイドボード（1919）、ベビーチェア（1919）、デ・リフト・ダイニングルームチェア、ベビーチェア（1920/1921）、ハルトフ・ファイリングキャビネット（1922）、子供用手押し車（1923）、ベルリンチェア（1923）、エンドテーブル（1923）、ミリタリースツール（1923）、ミリタリーテーブル（1923）、ビーチバギー（1923）、ハンギングランプ（1924）、テーブルランプ（1925）、スタッキングキャビネット（1925）、ハンギング・グラスキャビネット（1926）、チューブラー・スチールチェア（1927）、ベンチ（1930）、ローバックチェア（1920）、ハイバックチェア（1930）、スロープバックチェア（1930）、スモールテーブル（1930）、ローテーブル（1930）、Metz & Coデスク （1931）、ジグザグチェア（1932）、ジグザグチェア（クッション付）（1932）、クレート家具（1934-1935）、ガーデンベンチ（1936）、ガラストップテーブル（1946）、クロージングラック（1957）、セルトマン・チェア（1963）

WALTHER KÖNIG 2020年 ソフトカバー 276ページ 255 x 330 mm - 内容紹介 - アメリカ人アーティスト、アンディ・ウォーホル（Andy Warhol）の作品集。本書は作者の展示における戦略を探求し、最も著名なポップ・アート・アイコンの一人である「アンディ・ウォーホル」を、インスタレーション・アーティストとして、またキュレーターとして紹介する。初期の作品や晩年の作品を無視することなく、作者の展覧会活動を概観する初の代表的な一冊。多様なメディアの使用について、バランスのとれた見方を提示し、展示方法が作者にとって芸術作品の重要な要素であることが伺える。

LISSON GALLERY 2020年 ハードカバー 124ページ 275 x 218mm - 内容紹介 - イギリス人彫刻家、トニー・クラッグ（Tony Cragg）の作品集。作者が1960年代後半から作り始めた「Stack」シリーズの歴史を辿りながら、そのキャリアを概観した1冊。当時学生だった作者は、スタジオで見つけた雑多ながらくたを集めて積み上げ、ミニマリズムの特徴であるすっきりとしたラインを否定しているような、直線的で巨大な彫刻を制作した。それ以降、層化、収集、蓄積、集積など様々な行為を効果的に用いて作品を作り、様々なものを積み上げ、寄せ集め、重ね合わせ続けてきた。ジョン・ウッド博士による重要なエッセイ『Strata, structures, stories: 'Stacking' in Cragg's sculpture』では、50年以上に及ぶ作者の制作を紹介し、同時代の他の彫刻家から抜きんでているその特徴を明らかにする。本書は、2019年11月から2020年2月にロンドン「LISSON GALLERY」で開催された展覧会「Tony Cragg: Stacks」に伴い刊行された。 by Tony Cragg

LIBRARYMAN 2019年 ハードカバー 72ページ 1,000部限定 200 x 250 mm - 内容紹介 - ベルギー人コラージュアーティスト、カトリアン・デ・ブラウワー（Katrien De Blauwer）の作品集。前作『When I Was a Boy』に引き続き本書でも 「カメラを用いない写真」を追求している。絵画とファッションを学んだのち、作者は古い雑誌や新聞から集めたイメージを用い、何にも縛られることなく制作に没頭した。この癒しを伴う自己探求は、その後の制作の原点となっている。独自のコラージュを通じ、誰のものか分からない映画的な物語を紡ぎ、自分の内面をさらけ出す。本作では絵の具やクレヨンを取り入れることを試み、物語に色のレイヤーを付け加えた。作者のノートの手記も抜粋して収録。本書は、2019年5月18日から2019年6月15日にフランス・パリのギャラリー「Galerie Les Filles du Calvaire」で開催される展覧会に伴い刊行された。 by Katrien De Blauwer

WALTHER KÖNIG 2019年 ハードカバー 276ページ 205 x 205 mm - 内容紹介 - スイス人アーティストデュオ、ペーター・フィッシュリ & ダヴィッド・ヴァイス（Peter Fischli & David Weiss）の作品集。本作『HAUS (英題：HOUSE)』の元となったアイディアは、1987年のミュンスター彫刻プロジェクトの一環として作者らによって実行された。展覧会への参加を発表した際に2人がプロジェクトプロポーザルとして説明した通り、『HAUS』は近代インターナショナルスタイルで建てられた、駅に近く、映画館とソーセージスタンドの間にある4階建て商業ビルを1/15サイズで具現化したものである。作品は日常生活と建築の関係性を考察するもので、2016年、ニューヨークのソロモン・R・グッゲンハイム美術館で開催された2人の回顧展に合わせ、1987年のオリジナルプランを元に再製作された。2018年現在、『HAUS』はチューリッヒ＝エリコン屋外自転車競技場のトラック前に常設されている。

WALTHER KÖNIG 2019年 ソフトカバー 192ページ 220 x 300 mm - 内容紹介 - 日本人写真家、ホンマタカシの作品集。ル・コルビュジエ建築の窓を題材とする1冊。通常の建築写真では捉えきれない建築家の視点を追体験する手がかりとして、窓から見える風景に目を向けた本写真集では、スイス・レマン湖の水平線を眺める《母の家》から原色のステンドグラスで広く知られる《ロンシャンの礼拝堂》まで、作者が撮影したル・コルビュジエ建築20点を紹介。ティム・ベントンによる寄稿文では、水平連続窓にはじまるル・コルビュジエによる美しきフレーミングへの探求を振り返る。一般財団法人「窓研究所」、カナダ建築センター（CCA）、ドイツの出版社「WALTHER KÖNIG」による共同出版書。 by Takashi Homma

HENI PUBLISHING 2011年 ハードカバー 200ページ 248 x 248 mm - 内容紹介- ドイツ人画家、ゲルハルト・リヒター（Gerhard Richter）の作品集。「CAGE」の6つのペインティングは一つのシリーズとして制作され、2007年の「ヴェネツィア・ビエンナーレ」で初めて展示された。タイトル「CAGE (1-6)」は、アバンギャルドな作曲家として知られるアメリカ人音楽家 ジョン・ケージ（John Cage）へのオマージュである。よく知られているように、自身の曲でケージは「『無』のレクチャー（lecture on nothing）」で、「私は何も言わない。それが私の主張だから（“I have nothing to say and I’m saying it”）」と宣言する。作者も同等にイデオロギーに対して疑問を抱き、真実に対して主張はない。自身のペインティングに心理学的な解釈を与えることを避け、むしろ観る者と批評家にそれぞれの回想をさせる方を好む。本書には、批評家のロバート・ストー（Robert Storr）が作者の幅広い抽象画の制作の中で「CAGE」の重要性について考察する。細部にわたる記録写真の膨大なシリーズは、それぞれのペインティング作品の発展を日々記録し、作者の制作過程にユニークなまなざしを向け、作者が巨大なキャンバスに向かい制作する姿を見せる。

ÉDITIONS SÉBASTIEN MOREU 2021年 ハードカバー 48ページ 148 x 210 mm - 内容紹介- フランス人彫刻家、ヴァレンタイン・シュレーゲル（Valentine Schlegel）とフランス人映画監督であるアニエス・ヴァルダ（Agnès Varda）の作品集。フランスの衣装デザイナー、アートディレクターであるロザリー・ヴァルダ・ドゥミ（Rosalie Varda-Demy）著。ヴァレンタインの作品やポートレートを、アニエスが撮影したものが収録されている。本作のタイトルである『LA MAISON DE ROSALIE（ROSALIE'S HOUSE / ロザリーの家）』は、ヴァレンタインが1959年に制作した小さな彫刻作品のタイトルより引用。作者の幼馴染であるアニエス・ヴァルダが娘のロザリーを孕っているようすを表現している。生まれ育った南フランスのセートや、パリのダゲール通りで芸術家としての人生が絡み合い育まれたように、アニエスとヴァレンタインの作品が今でも繋がり合うよう、一冊の本に2人の作品を集めるため、2020年にロザリー自身が『ロザリーの家』を貸し出した。アニエスは2019年、ヴァレンタインは2021年にこの世を去っている。

LISSON GALLERY 2018年 ハードカバー 78ページ 290 x 235 mm - 内容紹介- ニューヨークを拠点に活動するキューバ系アメリカ人アーティスト、カルメン・ヘレーラ（Carmen Herrera）の作品集。アーティストとしての生涯をかけて、徹底して抽象的でミニマルな作風を極めてきた。作者のペインティングの本質はくっきりした輪郭と直線にあると思われるかもしれないが、近くで観察してみれば手作業で塗られていることが分かり、果てしない色の広がりに予想を裏切られる。ディプティックやトリプティック（二連あるいは三連の絵画作品）の構造がさりげなく取り入れられた直近の作品を披露した展覧会もまた、大きなキャンバスを見事に仕上げる卓越した手腕を示している。また本書では、ニューヨークにあるスタジオと自宅の写真も見ることができる。収録されているエッセイでアメリカ人キュレーター／美術批評家のロバート・ストー（Robert Storr）はこう記している。 「2015年の作品『Alpes』でヘレラは緑と白の三角形を交互に描いた。食いしばった歯のようなパターンが続くと思えば、最後の緑色の『歯』だけが抜け落ちている。このために全体的な連続性は失われ、二枚絵の内側にかろうじて収まっているどこまでも続く白の広がりの中に消えていくのである。」 様々な芸術運動が起こった1930年代から1940年代にかけて、ハバナ、パリ、ニューヨークに暮らした作者だが、ラテン・アメリカやヨーロッパの構成主義やコンクリート・アート、さらにはモンドリアンの新造形主義やパリのアブストラクション・クレアション運動の流れを汲んだ彼女のスタイルからも、自分自身を芸術史上の特定のグループに属しているとみなしたことがないことは注目に値する。ジェンダーや国籍などの枠に囚われないアーティストであるヘレラが帰属意識を持つとすれば、それは純粋なモダニズムである。また彼女の作品には、芸術活動が盛んであったどの時代よりもむしろ建築の「インターナショナル・スタイル」の精神や土台が反映されているように思われる。本書は、ニューヨークの「 Lisson Gallery」で2016年5月3日から6月25日まで開催された展覧会に伴い刊行された。

Art Post Asia 2008年 ハードカバー 179ページ 22.76 x 1.65 x 26.7 cm - 内容紹介 - フィリピンの自然遺産・文化遺産を集めた写真集です。 状態：良い カバーにややオレ等ありますが、全体的に綺麗な状態です。

FONDAZIONE MUDIMA 2015年 ハードカバー 437ページ 230 x 250mm - 内容紹介 - 「もの派」の作家とその作品群を紹介する作品集。2015年に、現代アートコレクター、ジノ・ディ・マッジョ（Gino Di Maggio）の所蔵コレクションからなるムディマ財団（Fondazione Mudima）で行われた展覧会「MONO-HA（もの派）」開催に伴い刊行された。1968年、日本で「もの派」の名の下に集まり、1974年まで共同で展示を行った10人の美術家（榎倉康二、原口典之、小清水漸、李禹煥、関根伸夫、成田克彦、菅木志雄、高松次郎、高山登、吉田克郎）に焦点を当てる。テキストは英・伊・日の3言語表記。 by Jiro Takamatsu , Katsuhiko Narita , Katsuro Yoshida , Kishio Suga , Koji Enokura , Lee Ufan , Nobuo Sekine , Noriyuki Haraguchi , Susumu Koshimizu

TAKA ISHII GALLERY 2015年 ソフトカバー 200ページ 136 x 210 mm 650部限定 - 内容紹介 - ドイツ人アーティスト、マーティン・キッペンバーガー（Martin Kippenberger）の作品集。本書は2015年にタカ・イシイギャラリーで開催された個展に伴い刊行された。写真研究者の清水穣によるテキストを収録。（英語、日本語） 以下プレスリリースより抜粋 本展は、マーティン・キッペンバーガー財団とギャラリー・ギゼラ・キャピテンの協力による、キッペンバーガーの日本における初めての大規模な個展となります。キッペンバーガーは、1970年代後半から1990年代にかけてのポストモダンを先導した、戦後ドイツで最も影響力のある作家のひとりとしてその名を知られています。美術家、俳優、小説家、音楽家、ダンサー、大酒飲み、旅行者など、多面的な芸術家であろうとした破天荒な生涯と結びつくように、その制作活動もまた、絵画、彫刻、コラージュ、ポスター、写真、パフォーマンス、インスタレーション、書籍など、さまざまなメディアを駆使し、多彩で夥しい数の作品を生み出しました。本展の核を成すのは、1990年代に制作された38点のマルチプル作品、6点のポスター、1点のペインティング、3点のホテル・ドローイングによる大型のインスタレーションです。これまで日本でまとめて作品を見る機会のなかった貴重なキッペンバーガーの作品をご堪能ください。キッペンバーガーは、観客に衝撃を与えて困惑を引き起こすことを自身の戦略としていました。彼はしばしば、その作品において、芸術が持つとされる社会的機能に疑問を呈しています。たとえば1987年に、彼はゲルハルト・リヒターのグレイ・ペインティングを購入し、この絵を天板としたコーヒーテーブルを作って自身の作品として発表しました。極めて大きな波紋を呼んだこの作品を通して彼は、高額な絵画の市場価値を破壊することを目的としたのです。また、本展の展示作品でも用いられたマルチプルという媒体は、「市場でもっとも手に入れやすいリーズナブルな現代美術」として、キッペンバーガーにとって非常に重要でした。彼は公然と、商業的なマルチプル作品とペインティングなどのユニーク作品を平等に扱うことで美術市場に対する皮肉をあらわしました。ポスター作品もまた、彼のユーモア、社会風刺、挑発的なイメージや暗示の巧妙な組み合わせを表現するには最適な媒体でした。本展で展示される「ブラック・ラバー・ペインティング」(1991年）は、キャンバスの表面がラテックスで覆われた、ほとんど彫刻のアイデアに近い実験的な絵画作品です。画面には、キッペンバーガーの代表作から象徴的なイメージが引用されています。よく知られている酔っぱらった街灯のイメージや、地下鉄のエントランスの扉の作品に使われたLord Jim Loge（1980年代にマーティン・キッペンバーガー、イェルク·シュリック、アルバート・オーレン、そしてヴォルフガング·バウアーによって設立されたアートグループ）のシンボル・マーク、大規模なインスタレーション作品「The Happy End of Franz Kafka’s “Amerika”」（1994年）の一部である椅子のイメージ、そして絵画シリーズ「Fred the frog」（1988年）からの目玉焼きと親指のイメージが描かれています。ブラック・ラバー・ペインティングは、キッペンバーガーの思考世界と極めて広範囲に及ぶ彼の参照システムを体現する、彼独特の黒色モノクローム・ペインティングととらえることができるでしょう。同じく本展で展示されるマルチプル作品は、キッペンバーガーの作品について知る入り口になるだけでなく、ほかの作家達や現代美術界と彼の関係や、さらには彼の作品自体についてさまざまな解釈の可能性を与えてくれます。これらの作品には、ギュンター・フェルク、ブルース・ナウマン、スーザン・ローゼンバーグ、バーネット・ニューマン、ロバート・ライマン、そしてミニマリズムやその時代の政治思想が参照されており、またそれらには彼独特の制作方法や、現代美術界や仲間との繋がり方、ユーモアのセンス、社会と傲慢への批判、政治的態度に関する発言、混在するハイ・カルチャーとロー・カルチャー、反復という概念など、さまざまな要素を見ることができます。加えて、これら多くの作品には彼自身が反映されています。すべての作品には語るべき物語があり、またそれらは作品のみならず作家の思考をも明らかにするのです。本展は1990年に行われた展覧会を一部「反復」する形式をとります。90年の展覧会の際にキッペンバーガーは、シンプリ―・レッドの「If you don’t know me by now」という曲をサウンドトラックとして使用しました。本展でも再現されるこの曲が観客への挨拶代わりとなり、また作品の展示空間へ誘い、そして皆がキッペンバーガーの宇宙をより深く理解する手助けとなるでしょう。 by Martin Kippenberger